Cómo comentaba hace unas semanas Obraztsova iba a debutar en el Lago fuera de su teatro, en Moscú. Y la ocasión llegó y ya comienzan a aparecer repercusiones por internet:
Se trata de la coda del cisne negro. Cómo notarán nada más empezar a verlo, no se parece nada a lo que estamos acostumbrados. El Stanislavsky tiene la versión de Vladimir Bourmeister de 1953, con decorados de Vladimir Arefiyev.
Raro sobre todo la variación de él, si la comparamos con el video de Zakharova&Bolle de la misma versión. La versión de Bourmeister es famosa por haber vuelto a la partitura original de Tchaikovsky para este paso a dos, por eso la música es distinta. Pero cómo comentaban por twitter el clan de los Cómicos Falsos del ballet (Toda una familia muy divertida) , Chudin se ha sacado de la manga una variación muy Gisellesca. Y para comprobar un boton (por Alexander Sergeev, uno de los chicos emergentes del Mariinsky, ya establecido Skhlyarov):
Fotografías de los saludos finales de Haydn, de dansomanie.net
-Las Ilusiones Perdidas
Y también ha sido ya la premiere de Las Ilusiones perdidas, también en Moscú, en el Bolshoi.Reportajes de la televisión rusa:
Me gustan mucho los trajes, corte clásico pero muy elegante. Osipova está muy favorecida en su vestido de cuadros malva. Pero no me gustan esos pantalones cortos encima de las medias que lleva Ovcharenko. Sé que se los han puesto por ir de acorde a la época (legendariamente fue Nijinsky el que salió sin ellos, dejando en shock a la tzarina), pero entonces eran más holgados, segun parece en las pinturas.
De la coreografía no se ve demasiado, pero en el trozo de variación que se muestra en el segundo video, a Vasyliev se le ve un poco más incómodo que de costumbre.
A la espera de que Irina Lepnyrova suba un album, más fotos de Haydn
Lunkina
Volchkov
Shipulina
Grabaciones no-oficiales de la representación:
Florine (Osipova) «reconquistada ´´por el Duque
Ballet «En las montañas de Bohemia´´
Variación de Coralie (Krysanova) en la fiesta
Lucien (Vasilyev) compose una polka para Coralie (Krysanova)
Paso a dos de Lucien (Lantrapov) y Florine (Lunkina)
En 4 dias se va a estrenar en Moscú la nueva obra de Aleksei Ratmansky para el Bolshoi, «Las Ilusiones perdidas´´. Este lunes fue la conferencia de prensa en Moscú. La expectación es mucha, porque es la primera vez en 28 años que el Bolshoi encarga un ballet completo y no una pieza corta (hace un par de años, por ejemplo, encargaron a Christopher Wheeldon, «Misericordes´´, cuya creación fue recogida en un documental por la BBC 4).
El ballet está basado en una novela de Honoré Balzac, que ya fue llevada al ballet en 1936 con música de Arafiev (autor de la de «Llamas de Paris´´) y coreografía de Rotislav Zakharov para Galina Ulanova. El libreto, del diseñador Vladimir Dimitriev, será mantenido en esta versión.
El departamento de prensa del Bolshoi se ha lanzado a la promoción, y varios artículos en inglés están disponibles en su web. Les viene bien, volver a centrar la atención del ballet ruso (la semana pasada concentrado en el estreno de «El Parque´´ de Angelin Preliojcaj en el Mariinsky) después del escándalo Yanin.
El equipo de producción es:
Compositor: Leonid Desyatnikov Coreográfo: Alexei Ratmansky Director de orquesta: Alexander Vedernikov Diseñador: Jerome Kaplan Iluminación: Vincent Millet Asistente dramático: Guillaume Gallienne
Ratmansky había trabajo ya con Kaplan ( en sus creaciones para del Ballet Nacional de Holanda), y Desyatnikov ( sobre todo en sus exitosas «Estaciones Rusas´´ en 2008).
Describen la música de Desyatnikov cómo a la vez romántica y extrañamente embrujadora, una de las raras veces que un compositor compone para un ballet en varios actos. Reconocido por él compositor, el piano tendrá un papel destacado cómo instrumento solista ( a la chopiniana quizá?), representando a Lucien, el héroe romántico del ballet.
El libreto, en 3 actos y 10 escenas ambientadas en el Paris de 1830 ( a la degas) , los está disponible ya:
Acto l Prologo
Escena 1
Episodio 1. Mañana en París
La plaza de la Ópera de París vive su vida habitual.Los artistas se apresuran para el ensayo por la mañana. Lucien, un compositor en ciernes, llega al Teatro acompañado por sus amigos. Está lleno de esperanza y sueños de tener sus obras producidas allí… Lucien sube al director, pero éste le ignora . Sus amigos le aconsejan que persista y, reuniendo su valor, Lucien atraviesa la puerta sagrada.
Episodio 2. La Ópera de París. Foyer del ballet
Un ensayo en curso – los bailarines están haciendo el ejercicio de la mañana. La lección es dos veces interrumpida por la aparición de las bailarinas, Florine y Coralie, acompañadas de sus clientes – Camusot, que financia el Teatro, y el duque, que es un bon vivant social. Representan, por así decirlo, dos partidos que compiten: Camusot apoya a Coralie, el duque – Florine, su rival.
Un nervioso Lucien entra en la habitación. Bajo la mirada curiosa de los presentes el compositor está nervioso, pero pide permiso para realizar una de sus obras. Lucien empieza a tocar – al principio tímidamente, luego con mayor sentimiento. Sin embargo, sus oyentes no sienten su música apasionada, llena de aspiraciones románticas. Los grupos de invitados y bailarines que, inicialmente, se habían reunido en torno al compositor, comienzan a disolverse. El resultado queda claro – el director de teatro está obligado a respetar las opiniones de sus clientes y las todopoderosas.esperanzas de Lucien se hacen añicos. Desesperado, es detenido por Coralie. Ella ha sido profundamente conmovida por su música. Haciendo uso de su influencia con Camusot y el Director, Coralie obtiene una comisión para Lucien: es para escribir la música de La Sylphide, un ballet especialmente creado para Coralie.
Escena 2 Sala de Lucien
Lucien se debate sobre la composición de su ballet. Entra Coralie. Su aspecto inspira al compositor, y se convierte en su musa. El tema principal del ballet futuro se encuentra. La inspiración y el amor que une a las fuerzas, da a luz a la música.
Escena 3
Detrás del escenario en la Ópera de París
Estreno del ballet La Sylphide. Lucien está en vilo: ¿cómo el público reacciona a su debut? Escenas del ballet se desarrollan en su imaginación. En lugar del Joven, un romántico en busca de la felicidad, se ve a sí mismo. La escena romántica de la confesión de amor se desarrolla, bañada en tonos elegicos: la separación es inevitable.La Sylphide debe desaparecer – el amor terrestre está prohibido para ella. Escapando con la ligereza de un sueño, ella se va volando …
El estreno es un éxito rotundo. Todos aplauden al joven compositor y a Coralie en Sylphide. Florine está llena de envidia y el duque también.
Acto 2 Escena 4 Casa de Coralie
Coralie es feliz con su Lucien. El éxito de La Sylphide les ha traído fama y el amor. Los amantes serían completamente felices si no fuera por el hecho de que todo en su casa recuerda a Coralie que no es gratis, todo pertenece a su protector el banquero.
Camusot aparece inesperadamente. Molesto porque no es admitido por un tiempo tan largo, el banquero sospecha de la infidelidad de Coralie. Coralie trata en vano de hacer pasar el sombrero de copa de Lucien, que Camusot ha descubierto, como parte de su traje de concierto. No queriendo mentir, Lucien sale del escondite Coralie había encontrado para él. Todo lo que queda de Camusot que hacer es hacer su salida. El banquero, sin embargo, confía en que la vida volverá a poner a Coralie en sus manos.
Coralie y Lucien son tan felices como pueden ser: es como si una carga terrible ha caído de sus hombros – que son libres.
Escena 5
Palacio del Duque
Olvidando su rivalidad reciente, Camusot y el duque están unidos por su deseo de someter a Lucien a su voluntad, hacer de él su peón. Su argumento es simple: con el cebo de la fama de glamour y dinero, y obligarlo a escribir un ballet para Florine. Florine pone en manos de Lucien una invitación para un baile en el palacio del duque.
Baile de máscaras en el palacio del duque. Aparece Lucien. Él ha cambiado – frac, guantes blancos, los gestos displicentes. En el torbellino loco de la mascarada, rodeado de bellas mujeres y los hombres elegantes, el joven pierde la cabeza. Lucien persigue una mujer desconocida con el traje de la Sylphide y arranca la máscara – es Florine, está indefenso ante su encanto. Por invitación del duque, Lucien toma su asiento en la mesa de juego y empieza a tocar: todo ha sido arreglado de modo que la suerte está con él. La pila de oro a su lado crece más y más grande, y la fuerza de una pasión desconocida nubes de la razón. Todas sus esperanzas se han hecho realidad: París a sus pies, el dinero, las mujeres, la fama – todos son suyos. En un momento de tensión en el juego, Florine aparece. La pasión de seducción de su baile gana al hombre, y cae a sus pies.
Escena 6
Casa de Coralie
Coralie se preocupa por Lucien. Amigos tratan en vano de distraerla. Lucien llega pronto, pero no aparece soli – con él se Florine y el Duque. Lucien está en un estado muy delicado . Él saca oro de sus bolsillos a manos llenas – sus ganancias. El éxito, la felicidad, el reconocimiento, el amor ahora será suya para siempre. Embriagado por sus ganancias y el vino, Lucien no se da cuenta de su tormento .
El Duque y Florine salen, llevando a Lucien con ellos. Su partida es una catástrofe para Coralie. Mentalmente la mata, todas sus ilusiones se escapan de la cabeza. El oro Lucien dejó sobre la mesa da lugar a otro arrebato de desesperación.Sus amigos, los testigos involuntarios de la escena dramática intentar, sin éxito para calmarla. Una desesperada Coralie dice adiós a su amor.
Acto 3 Escena 7
La Ópera de París Foyer del Ballet
Lucien se siente decepcionado y oprimido. Es como si, después de haber alcanzado lo que deseaba, había perdido su libertad e independencia creativa. Él componerun ballet para Florine, pero Florine, el Duque y el Maestro de Ballet rechazan sus ideas.Ellos quieren un compositor de melodías banales obediente, alegres, esenciales y eficace, para un ballet vacúo sobre una bailarina que seduce bandidos con sus encantos. Apretando los dientes, Lucien improvisa, cediendo a sus demandas y obedientemente saca a relucir los motivos triviales que son fáciles de bailar.
Escena 8
Ballet. En las montañas de Bohemia
El duque paga claqué para aplaudir y dar una recepción calurosa al nuevo ballet, escrito para Florine.
Premiere. Bandidos, a cargo de bailarinas, acechan a los transeúntes en una calle principal. Un coche en el que aparece una bailarina (Florine) con su doncella. Los bandidos detienen el carro y amenaznr a los viajeros con la muerte, pero los encantos de la bailarina los doman. Cuando bailan a su alrededor, llegue la policía en la escena,alertados por la doncella.
La Claqué garantiza un triunfo para Florine, pero no de Lucien: su música no es más que acompañamiento banal. Sólo una polka, un motivo por encargo de Florina, le gana aplausos. El Duque y Camusot cínicamente felicitan a Lucien, Camusot lo ofrece una suma de dinero. Sus ilusiones, sus esperanzas de éxito y la gloria, sus sueños de ver a París a sus pies se convierten en humo. Al darse cuenta de que, en aras de elogios dinero e hipócresia había traicionado su amor por Coralie y su talento musical, un horrorizado Lucien sale corriendo del teatro.
Escena 9
Embarcadero del Sena
El terraplén Sena está envuelto en una espesa niebla. Lucien se ha quedado a la orilla con la idea de cometer suicidio. Pero le falta la voluntad de morir. En un estado profundamente perturbado, el joven piensa en Coralie – la única persona que lo ama sinceramente. Y va en busca de Coralie.
Escena 10
Casa de Coralie
La habitación está vacía: todos los muebles han sido vendidos para pagar deudas.Berenice, la doncella embalaje trajes de su señora teatro. A la vista de su traje de Sylphide, Coralie es superada por los recuerdos de sus ilusiones anteriores, ahora perdido para siempre.
Aperece Camusot que ha calculado todo bien y convence a Coralie para volver con él. Coralie es indiferente todo : le da lo mismo si muere o vuelve con Camusot. Ella se va con Camusot.
Lucien entra corriendo en la habitación vacía, pero es demasiado tarde. Coralie se ha ido.Y se da cuenta en su angustia que sus ilusiones perdidas nunca volverán.
Desyatnitkov, el compositor.
El reparto es:
Lucien – Ivan Vasiliev, Vladislav Lantratov, Vyacheslav Lopatin, Andrei Merkuriev Coralie – Nina Kaptsova, Svetlana Lunkina, Natalia Osipova, Anastasia Stashkevich Florine – Yekaterina Krysanova, Anastasia Meskova, Anna Rebetskaya, Yekaterina Shipulina First Male Dancer – Andrei Bolotin, Alexander Volchkov, Artem Ovcharenko, Ruslan Skvortsov
Cómo hoy no me encuentro lo suficientemente bien para trabajar, ando mirando videos en youtube, y me he topado con Shurale.
Se trata de un ballet tártaro (para los que no esten muy puestos es geografía rusa, es la región de la que venia Nureyev), que reconstruyeron la temporada pasada en Mariinsky.
La historia está inspirada en un mito popular sobre Shurale, una criatura de forma humana con un cuerpo totalmente cubierto de pelo y un cuerno en el centro de la frente. El Shurale (Shou-RAH-Leh) Tiene dedos huesudos largos y puntiagudos con los que mata a humanos haciéndoles cosquillas si han tenido la mala suerte de perderse en medio del Bosque Negro (Kara Urman). El Shurale espera pacientemente a su víctima detrás de los árboles. Una vez de la criatura abominable de la selva lo atrapa, la mata con cosquillas. . (descripción tomada del blog de cuentos http://arescronida.wordpress.com/)
El libreto del ballet esta basado en un poema tártaro de Gabdullah Tual (el poema, en inglés esta aqui:http://www.shurale.ru/shuraleh_eng/shuraleh_eng1.htm)
Datos técnicos:
Music: Farid Yarullin
Libretto: Ahmed Faizi Leonid Yakobson
Diseños: Alexander Ptushko, Lev Milchin & Ivan Ivanov-Vano
Coreografía: Leonid Yakobson
Premiere:12 Marzo 1945 (Opera de Kazan), 28 Mayo 1950 (Kirov, Leningrado)
Sinopsis:
Acto I
En un bosque denso, el malvado maestro de los bosques Shurale esta dentro del tronco de un árbol.
Ali-Batyr, un cazador joven, aparece en el claro. Viendo una ave volar por delante, él agarra su arco y flecha y sale detrás. Shurale surge de su refugio. Todos los espíritus del bosque que él gobierna despiertan. Los genios, las brujas y los espíritus malignos entretienen a su maestro con bailes.
Como el sol comienza a elevarse, los espíritus malignos se esconden. Una multitud de aves baja al claro. Extienden sus alas y se transforman en doncellas jóvenes. Las muchachas juguetean por el bosque. La última en transformarse es la hermosa Syuimbike. Shurale, vigilándola de un árbol, roba las alas y las arrastra a su refugio.
Las muchachas surgen de los bosques y danzan . De improviso, Shurale salta del árbol. Asustadas, las muchachas recogen sus alas y, transformadas en aves, toman los cielos. Sólo Syuimbike se queda, habiendo sido incapaz de encontrar sus alas. Shurale ordena que los espíritus malignos rodeen a la muchacha.
Shurale está preparado para celebrar su victoria, pero Batyr aparece a la ayuda de Syuimbike. Shurale furioso desea estrangular a Batyr, pero el joven derriba al monstruo con un golpe potente.
En vano, Syuimbike y su salvador buscan las alas en todas partes. Cansada de la búsqueda infructuosa, Syuimbike se duerme. Batyr con cuidado recoge a la doncella ave durmiente y se marcha con ella.
Shurale derrotado amenazaa Batyr con una venganza despiadada tras haber secuestrado a su doncella ave.
Acto II
El patio de Batyr. Todos los aldeanos han venido a un banquete en honor a Batyr y la hermosa Syuimbike. Los invitados estan alegre y los niños retozan alrededor. Solo la novia está triste. Syuimbike es incapaz de olvidar sus alas perdidas. Batyr trata de distraer a la muchacha de sus pensamientos sombríos. Pero ni los bailes de Dzhigits ni las danzas redondas de las doncellas traen consuelo a Syuimbike.
Los finales de la celebración. Los invitados se marchan. Desapercibido, Shurale se mete en el patio. Aprovechando un momento conveniente, él lanza a Syuimbike sus alas. La muchacha las abraza a su pecho y quiere irse volando, pero indecisa ella se para: ella estaría triste por abandonar a su salvador. Pero el deseo de tomar a los cielos es más fuerte. Syuimbike toma el vuelo.
Inmediatamente ella es rodeada por una multitud de abominables cuervos enviados por Shurale. El ave busca la libertad, pero los cuervos abominables la obligan a volar hacia el refugio de su maestro.
Batyr entra en el patio. Él ve a la pobre ave irse volando en el cielo, golpeando sus alas dentro del círculo de cuervos negros. Agarrando una antorcha incandescente, Batyr va en la búsqueda.
Acto III
El refugio de Shurale. Aquí la doncella ave languidece en el cautiverio. Pero Shurale no puede romperse la voluntad de hierro de Syuimbike, que rechaza sus avances. En la furia, Shurale desea darla a los malos espíritus del bosque para ser despedazada.
En este instante, Batyr corre en el claro con una antorcha que arde en su mano. En la demanda de Shurale, todas las brujas, los genios y los adláteres de Shurale atacan al joven. Batyr entonces prende fuego al refugio de Shurale. Los espíritus malignos y Shurale fallecen en las llamas encendidas.
Batyr y Syuimbike están solos entre el infierno del asalto. Batyr da a la doncella sus alas – el único camino hacia la salvación. Pero Syuimbike no desea abandonar a su querido. Ella lanza sus alas en las llamas –para que ambos fallezcan en el fuego. Entonces el incendio forestal de repente se desvanece. Sin los espíritus malignos, el bosque es milagrosamente transformado. Los padres de Batyr y los dos casamenteros aparecen. Ellos desean felicidad al novio y su novia.
No he encontrado una grabación completa de la reconstrucción, pero en http://balletoman.com/2011/01/29/shurale.html , Giorgi Mshvenieradze ha colgado una grabación antigua del Kirov con Tatiana Berezhnaya (Syumbike), Vadim Budarin (Ali-Batyr) y Nikolas Ostaltsov (Shurale)
En youtube hay esto:
Danzas infantiles del Acto 2
Documentales en ruso, con imagenes de los ensayos y de la escena
Variación del 3er Acto. Matvyachenko y Lobukhin como Batyr
Variación de Syumbike del 3er acto. Irina Golub
Adagio del 3er acto. Los dos casts, Golub&Lobukhin y Obraztsova&Matvyachenko
Variación de Syumbike 1er acto. Obraztsova está absolutamente perfecta aqui. Una coreografía endiablada a rematar con ese movimiento de manos (Jacokson fue un pionero del ballet moderno soviético, asi que no es de extreñar que elija otra manera de representar las alas que la del lago)
Acabo de ver por facebook este video y me ha parecido muy muy interesante, aunque no sea ballet. Se trata de una colaboración entre el famoso violoncellista chino Yo-Yo Ma y un bailarin de break dance llamado Lil Buck para un proyecto del director de Being John Malkovich, Spike Jonze. El resultado, con la música de la Muerte del Cisne es impresionante por la fluidez del bailarin, que sin duda ha visto la versión clásica, y añade así algunas cosas a su movimiento (incluido algo de trabajo «en puntas´´. No es una guerra entre clásico y moderno, simplemente es bello
Están comenzado a subir en youtube los videos del ballet «Los Patinadores´´ de Frederic Ashton. De momento está sólo la primera parte, pero en cuanto se suba el resto iré actualizando. Parece ser que se filmó hace unos meses, en diciembre del año pasado, y por esa temporada lo presentaban en doble programa junto a «The Tales of Beatrix Potter´´ (un ballet infantil en el que los bailarines llevan trajes de cuerpo entero a la Disney) y «Peter and the Wolf´´, asi que supongo que el dvd también será mixto (ya que Los Patinadores sólo dura unos 25 minutos).
Cast de esta primera parte:
Chicas de azul: Samantha Raine, Akane Takada
Chico de azul: Steven McRae
Pareja de blanco: Sarah Lamb, Rupert Pennefather
Este ballet se creo en 1937 para el Vic Wells Ballet (ancestro del Royal Ballet). El director de orquesta Constant Lambert (uno de los primeros amores de Margot Fonteyn, por cierto), descubrió y reorquestó la música de un intervalo dancístico de la ópera El profeta de Giacomo Meyerbeer. A Ashton le gustó la idea y coreografió este ballet, que normalmente se presenta bajo el nombre francés de «Les Patineurs´´, más que «The Skaters´´
El ballet es completamente abstracto. Simplemente grupos de amigos en la Inglaterra eduardiana que se divierten patinando (es lo que tiene que el grajo vuele bajo). Los diseños de William Chappell son muy bonitos en ese estilo de fantasía invernal.
Fotografías de John Ross de 2007
Sarah Lamb y Mara Galeazzi
Jose Martín
Valeri Hirstov y Alessandra Asanelli (una bellisíma bailarina americana ahora retirada de la escena, gran pérdida)
Laura McCulloch y Cindy Jourdain
Kenta Kura
De 2010
Paul Kay
Lara Turk y Ryoichi Hirano
Yuhui Choe y Akane Takada
Nathalie Harrison y Laura McCulloch
Continuará, pero así es cómo se ve la pista de hielo desde las puntas. Otro post interesante para otro dia sería el contrario. Cómo nos ven a nosotros desde allí, ya que yo también soy muy aficionada al patinaje artístico.
Hace unos dias descubrí por internet este video de quinze minutos sobre el debut de Ivan Vassilyev en el rol de Abderakhman el 18 de marzo. Artem Ovcharenko (antiguo protegido de Tsiskaridze, ahora con Nikolay Fadeyechev) ya habia hecho Jean de Brienne antes, pero creo que Anna Nikulina también debuta en Raymonda.
Nikulina es una bailarina muy bonita, de rostro juvenil y piernas hiper largas, una especie de versión extrema de Nina Kaptsova, y Ovcharenko esta siendo preparado cómo solista clásico (digase principes), pero el protagonista del video es Vassilyev.
Este rol le va cómo anillo al dedo para abandonarse a audacias orientales y saltar sin complejos. Pero lo que más me gusta en ese video es cómo parece volar en cada pequeño paso o temps levé.
Estos dias se ha celebrado en San Petersburgo el décimo Dance Open 2011, un gran festival de danza con una gran lista de invitados:
Anette Delgado, Alejandro Virelles – Ballet Nacional de Cuba
Jurgita Dronina, Cédric Ygnace – Dutch National Ballet
Ashley Bouder – New York City Ballet
Denis Matvienko, Viktoria Tereshkina, Elena Evseeva, Yury Smekalov – Mariinsky Theatre
Sue Jin Kang & Jason Reilly – Stuttgart Ballet
Natalia Osipova, Ivan Vasiliev – Bolshoy Theatre
Yonah Acosta – English National Ballet
Isabelle Ciaravola – Paris Opera Ballet
Marcelo Gomes – American Ballet Theater
Alina Cojocaru, Sergey Polunin, Steven McRae – Royal Ballet Covent Garden
Lucia Laccara – Bavarian State Ballet
Semen Chudin – Stanislavsky-Danchenko
Además, Natalia Makarova (a la que va dedicada esta edición), presentó su biografía «Biography of the Dance´´
Pero, para deleitarnos los ojos ya que no pudimos estar allí, unas fotitos de Nikolay Krusser y visualrian.ru:
Natalia Osipova e Ivan Vasilyev
Viktoria Tereshkina
Vishneva&Marcelo Gomes
Jurgina Dronina&Sedric Idnas
Alina Cojocary&Sergei Polunin
Maria Korowski
Denis&Anastasia Matviachenko
Irina Perren&Marat Semyunov
Olessia Novikova&Philip Stepin
Elena Evseeva&Yury Smelkov
Ballet de Yekaterimburgo, en una coreografía llamada «Paladio´´
Sobre todo las chicas parecen espectaculares, pero Krusser no las identifica, asi que no se sus nombres. El sitio web de la compañia http://www.uralopera.ru/, tampoco lo facilita, ni en la versión inglesa ni en la rusa
Anoche volví al Teatro de los Campos Elíseos para otra gala (acabo de recordar que nunca publiqué artículos sobre la gala de las estrellas del S.XXI y el homenaje a Plisetskaya).
Esta teatro me ha ofrecido desde que he llegado aquí buenas tardes ( la mejor, sin duda, la Anna Karenina de Eifman). Por 15-17€, uno puede reservar una entrada en la primera o segunda planta bastante digna (eligiendo que esquina del escenario cortar), sin tener que afrontar la batalla por las entradas de último minuto con la terrible organización de la Ópera Garnier.
Por una vez, la organización del teatro decidió permitir en aceso al teatro desde más de media hora antes de comenzar la función, en lugar de aglutinar al público en el hall del teatro cómo hacian en septiembre. Pero esta vez yo no tenía las entradas en la mano y estuve esperando de los nervios hasta que llegaron mis acompañantes (y repitiendome mentalmente aquella pieza de sabiduria popular de «si quieres que las cosas salgán bien, hazlas tu mismo´´).
Al igual que en el homenaje a Plisetskaya, la noche empezó con Andris Liepa al micrófono dando la bienvenida en nombre de todos los sponsores de la oligarquía rusa. Andris Liepa ha estado detrás de alguna gala para el Teatro Real en Madrid, pero se ve que con nosotros no toma el micrófono. Se dirige a la sala en un francés confuso ( él mismo dijo tras atragantarse que, «entre otras cosas, aprendí francés en la escuela de ballet, pero se ve que no muy bien´´). Mejor hubiera hecho en expresarse en ruso, hubiera sido más claro y de todas maneras, la mayor parte de la sala lo hablaba .
-«Les Saisons Russes´´. Théâtre des Champs-Elysées. 2 de Abril, 20h
–Petrouchka
Coreografía. Mikhail Fokine
Música Igor Stravinsky
Decorado Anna y Anatole Nezhny, sobre diseños de Alexander Benois
Fecha de estreno 13 junio, 1991, Théatre de Chatelet
Bailarines Vladimir Derevianko (Petrouchka), Alexandra Timofeeva (Bailarina), Kiril Ermolenko/Mikhail Martynyuk (Moro),Roman Martishkin (Mago)
-Chopiniana
Coreografía Mikhail Fokine
Música Federic Chopin
Decorado Anna y Anatole Nezhny, sobre diseños de Alexander Benois
Fecha de estreno 2 de junio, 1909, Teatre du Chatelet
Bailarines Nikolay Tsiskaridze, Marianna Rhyzhkinna, Alexandra Timofeeva, Natalia Balakhnicheva
-Danzas Polovtsianas
Coreografía Andris Liepa, sobre la original deMikhail Fokine
Música Alexander Borodin-Rimsky Korsakov
Decorado Anna y Anatole Nezhny, sobre diseños de Nicolas Roerich
Fecha de estreno 1890
Bailarines: Ilze Liepa, Sergei Kononenko
Tenia muchas ganas de ver Petrouchka en directo, y las verdad es que me gustó mucho, a pesar de que siempre tengo dificultades ante la música de Stravinsky. Hiper colorista e hiper rusificado, nos presenta un mercado en fiestas, con sus cosacos, gitanas de faldas aladas, babushkas y hasta un oso amaestrado. Dos bailarinas de la calle se quitan sus valenki para competir sobre las puntas (el solo de una de ellas fue creado por Bronislava Nijinska imitando a la imperial Mathilde Kchechinska).
Petrouchka en el Mariinsky.
Hasta que llega el mago y tras su solo de flauta nos presenta sus tres muñecos. Una bailarina, un moro ( con «blackface´´ incluido, ya que no estamos en América), y petrouchka, que está enamorado de la bailarina.
Vladimir Derevianko estuvo muy bien cómo Petrouchka. No es un rol demasiado complicado a nivel técnico (al fin y al cabo, Petrouchka es una marioneta de madera), pero sí a nivel de actuación. Estoy muy confundida sobre su edad, ya que su web: http://www.vladimirderevianko.com/ no nos desvela su fecha de nacimiento, pero si se unió al Bolshoi en 1977, implica que ¡¡ya ha superado los 50 años!!
Timofeeva me gustó en la gala a Plisetskaya (aunque tuvo algunos fallos), y aqui me volvio a agradar. No es una bailarina espectacula, pero es capaz.
Timofeeva con Andrei Batalov en la gala a Plisetskaya.
A nivel de cuerpo de baile (prestado del cuerpo de baile del Kremlim ballet por Andrei Petrov, antiguo bailarin del Bolshoi, de la quinta de Andris Liepa), creo que esta fue su mejor actuación, ya que básicamente, se trata de una compañia de segundo nivel, con más nombre que otra cosa.
Chopiniana es mi ballet abstracto favorito. Y esta grabación, la protagonizada por Assylmuratova y Zaklinsky en 1991 me parece una de las actuaciones más mágicas que hay en dvd:
Este ballet presentaba a Nikolay Tsiskaridze cómo estrella masculina de la noche en lo que creo fue un error de cálculo. Porque, aunque, aunque la parte del poeta no es una prueba de bravura, necesita de más técnica clásica que la que a Tsiskaridze le queda a punto de entrar en la cuarentena. El show bussiness le ha hecho coger peso, y lo único que mantiene a punto son los grand jettés (confiadamente por encima de 180º). Tendría que haber tomado el rol de las danzas Polovtsianas.
Según la publicidad, las solistas serian Maria Alexandrova y Svetlana Lunkina, pero en el programa fueron cambiadas por Marianna Ryzhkin yna y Angelina Voronzstova (protegida de Tsiskaridze). Ya hize una buena crítica de la Kitri de Ryzhkina, y lo mantengo, es una gran bailarina, aunque la vi más inspirada rodeada por su compañia que por el Kremlim.
Natalia Balahnicheva fue una de las solistas menores. Todos la hemos visto de estudiante en aquel documental «Captivas de Terpsichore´´, que seguía su año de graduación en la escuela de Perm y sus problemas con Ludmila Sakharova. Para mi sorpresa, físicamente es muy pequeña , cómo cuando era estudiante (otra cautiva reciente, Oksana Shorik, se está desarrollando mucho mejor).
Entre Chopinianina y las Polovtsianas no hubo descanso, asi que Andris Liepa volvió a salir a, principalmente matar el tiempo entre el cambio de decorado. Primero disculpar la ausencia de Mikhail Lobukhin por enfermedad (según he leido por ahí, se lesionó gravemente el 27 del mes pasado), y presentar a su sustituto, el «etoile´´ del Mariinsky, Sergei Kononenko (http://www.kononenkosergey.narod.ru/). Esto fue un error de entusiasmo de Liepa, porque Kononenko sí pertenence al Mariinsky, pero dentro del cuerpo de baile.
Kononenko
Por mucho que Andris Liepa insistiera con el verbo reconstruir para darle entidad histórica a la pieza, lo cierto es que en parte fue cambiada para lucimiento de su hermana Ilze Liepa. Ilze ya participo y mucho en el concierto a Plisetskaya ( un paso a dos con Tsiskaridze y dos solos largos), pero para mi esta fue su mejor versión. A punto de llegar a la cinquentena, Ilze conserva unos brazos y un poder de atracción del espectador increible, a comparar con la mala «vejez´´ de Anastasia Volochkova (a la que le encuentro cierto parecido físico y de tinte, pero a sus 35 años, Volochkova se ha dado a la extravagancia pura).
Los vestuarios esta vez no tuvieron nada que ver con los de Diaghilev , en el caso de los diseños femeninos. Nuevo traje para Ilze Liepa, aceptablemente orientalista y muy ornamentado, pero las chicas del cuerpo de baile tuvieron unos diseños carnavaleros amarillo fosforito. No encuentro fotos en internet de la producción, pero mucho fosforito para todo.
El cuerpo de baile masculino no estuvo bien (impresión que a menudo tengo en este tipo de compañias). En este tipo de coreografías «primitivas´´, en las que se piden pateos en lugar de endeors, si el bailarín no echa toda la carne en el asador parecerá estúpido, y anoche a los bailarines les faltó convencimiento. Leyendo los comentarios en dansomanie.net, no fui la única en pensar en la coreografía posterior del Spartaco de Grigorovitch
Un extracto de las danzas en una version filmica del Principe Igor de 1969. La coreografía está cortada en partes, pero es curioso verla en la llanura
Y la grabación moderna del Mariinsky, del mismo dvd con El Pájaro de Fuego y Scherezade.
Mención especial para los técnicos del teatro (porque no creo que la «compañia´´ halla traido los suyos propios). Los bailarines eran «seguidos´´ con focos, muy a menudo con retraso, y en el final de Petrouchka, un técnico orondo en camiseta rosa olvidó eso de la «magia del teatro´´ y se quedó bien visible esperando a que llegara su misión de sujetar a Petrouchka para que este colgara del tejado del puesto.
Un pequeño post de estudio, en parte para mi misma, porque voy a utilizar la escena de la locura de Giselle para un proyecto de teatro universitario.
Personalmente, Giselle es mi ballet favorito, y la escena de la locura me parece una de las escenas más potentes y a la vez simples de todo el repertorio (otra escena que me enamora es el solo de la gitana en el campamento en el segundo acto de don Quijote), siempre he querido presentarla, asi que aprovecharé la oportunidad.
Me acuerdo que durante la actuación de Alina Cojocaru y Johan Kobborg en el Teatro de Madrid, hace unos años, respondí a unas preguntas a un equipo de prensa extranjero. La pregunta era, ¿Crees que un ballet romántico cómo Giselle puede seguir interesando a las nuevas generaciones?´´. Mi respuesta fue un rotundo sí, ¿ que más da que venga de 1841? todo el mundo ha sentido alguna vez lo que siente Giselle. No recuerdo ahora mismo la cita completa, pero recuerdo a Sylvie Guillem decir que cuando empiezas a pensar que Giselle es una tonta, debes dejar de realizar ese repertorio. Sí, Giselle representa la ingenuidad, pero todo el mundo hemos tenido alguna vez ese primer amor incondicional para alguien que no era del todo merecedor. El desengaño de Giselle es en parte juvenil, pero no por ello menos puro. Y después está el segundo acto con una pregunta, ¿Perdonar a quién nos traicionó?
Para mi trabajo me he puesto a estudiar la escena después de que Hilaríon descubre la trama de Albrecht y este disimula delante de Bathilde. La estructura es esta:
-Giselle corre y se lanza a los pies de su madre. Este es el momento en el que en la mayoria de las versiones, la madre y alguna ayudante del cuerpo de baile aprovechan disimuladamente para deshacer el peinado de Giselle (que normalmente ya se ha soltado un poco el peinado entre cajas). Es el momento en el que también Bathilde suele dejar la escena tras una mirada de reproche a Albrecht
-Giselle se levanta y se para en el centro de espaldas al público.
-Pantomima hacia delante. «Él me queria, y me prometio que nos casariamos´´
-Giselle toma la margarita. Vals y se sienta en el suelo a deshojarla, pero se desespera porque la margarita dice no (recordemos que la primera vez Albrecht había quitado disimuladamente un pétalo para que el resultado fuera bueno)
-Giselle anda en busca de su madre, se tropieza con la espada de Albrecht en el suelo.
-Toma la espada y amenaza con clavarsela, pero se la quitán (según la versión, Albrecht,Hilarión o alguien del cuerpo de baile)
-Giselle se abraza a su madre, comienza a ver a las willis.
-Giselle marca sola parte del pdd anterior con Albretch.
-Apoteosis final. Abraza a su madre, se lanza a Albretch y muere.
Y ahora, voy a intentar recopilar todo lo que está disponible en youtube. Sin demasiado orden de preferencia:
Alessandra Ferri, 1996 . Para mi gusto una de las mejores grabaciones que hay, estupendamente fiera ella y el trabajo de cámara (me gusta la idea del zoom a los pies para entender que se tropieza con la espada, aunque quizá un poco premeditado). Mucha relación con el cuerpo de baile.
Galina Ulanova, 1956. La Giselle soviética por excelencia. Una grabación espectacular a pesar de los años. Realiza toda la escena con el pelo recogido
Alicia Alonso, 1980. Nunca me apasiona demasiado el estilo de Alonso, pero muy efectista aquí. Cuando Giselle está a los pies de su madre al principio las amigas del cuerpo de baile se involucran mucho, llegando a levantarla entre 3 y la madre. Pero el momento más espectacular del video es tras la muerte de Giselle, cuando el público se vuelve loco también y permiten a Vladimir Vassilyev crecerse a tamaño colosal. El mejor Albrecht que he visto aqui.
Alina Cojocaru, Teatro nacional de Zagreb, 2007. (el video tiene también la variación). Más introvertida, en lugar de alzar el brazo cuando dice que le prometio matrimonio los mantiene siempre bajos, pero su cara lo dice todo. Tampoco salta demasiado en la parte danzada, sólo lo hace una vez, para explicar su fragilidad de salud
Cojocaru también. En el World Ballet Festival de 2006 con Manuel Legris. La producción es más bucólica, mucha más luz que en la croata de arriba. Otra vez simplicidad en su pantomima, pero no necesita más, aunque el cuerpo de baile japonés se implica menos.
Y la grabación comercial de Cojocaru. Con el Royal Ballet en el 2006. Un decorado más realista, tonos tierra y extras que parecen realmente campesinos. El Albrecht de Kobborg forcejea visiblemente contra su asistente cuando ve que va a coger su espada, y en la parte danzada se para junto a ella, ofreciendole su brazo (pero ella en su delirio no lo agarra). La mayor parte del cuerpo de baile abandona la escena tras su muerte, dejando un careo interesante entre la madre y albrecht (finalmente la madre se queda sola con ella en escena).
Natalia Osipova, 2008, Ballet de Novosibirk. Extraño cómo ella rompe el collar de Bathilde al principio, un problema de vestuario puntual, supongo.
Polina Semionova, 2008. Teatro Mariinsky.Me gusta su careo con la madre cuando le quitan la espada.
Alicia Alonso, 1978. Esta vez permanece reclinada en las rodillas de su madre parte del comienzo de la pantomia ( posición que no me termina de convencer), y deshoja la margarita en el banco con Albrecht sumiso a sus pies. El público cubano también responde muy fuerte a la muerte de la jefa, pero prefiero a Vassilyev a Esquivel
Olga Spessivtzeva. 1932. La Giselle leyenda. Extracto de un documental, narrado por su partner Anton Dolin. El tutu corto choca a la comparación con el vestuario de ahora. No intenta darle ningún aura académica a la parte danzada, interesantemente (para ser el mito).
Natalia Bessmertova. Bolshoi. Visualmente curioso, una de las grabaciones en estudio que hacian antes en la URSS. Su traje es una mezcla entre el de Spessivtzeva y los actuales.
Adiarys Almeida. 2006, Cincinatti Ballet. Su debut en Giselle, muy buena, aunque normalmente sean sus piruetas las que uno recuerde.
Natalia Makarova. 1977, American Ballet Theatre. Mucha participación de Baryshnikov al final.
Silvia Bazilis. 1987. Teatro Colón. Muy distinta la pantomima, pero me gusta
Alicia Alonso explica la escena. Fans o no de la Alonso, es a no perderse
Viara Natcheva, Berlin Staatsballet. Me pregunto por qué son tan oscuras las producciones del staatsballet…
Svetlana Lunkina. 1998. Bolshoi Ballet. Muy romántica, parecia a la interpretación de Cojocaru
Galina Mezentseva.Kirov. Una de mis Giselles favoritas. Magistral en esta escena, aunque a algunos les horririze su aspecto
Anette Delgado, Ballet Nacional de Cuba
Elena Nikolaeva, HNK Split
Evgenya Obraztsova, 2009. Mariinsky
Mejor grabación. Obraztsova es una muñeca!!
Yulia Malkhalina. Mariinsky. Muy bien actuado
Zakharova, 2005. La Scala
Julie Kent. Guest en Ballet Mikhelii
Viktoriya Anayan
Alicia Alonso. 1993. El público monta demasiado circo, pero bueno, es una ocasion especial, nadie antés celebro su 50 aniversario de un rol (por razones obvias).
Yvette Chauviré ensaya a Florence Clerc. Muy interesante
Josefina Mendéz ensaya a Anette Delgado
Lisa marie Cullum. Deutsche Oper
Carla Fracci, 1969. ABT. La cámara es muy cinematográfica, casi todo primeros planos
Lynn Seymour. Guest en el Bavarian State Ballet. Al principio todavía lleva la corona de la vendimia (que normalmente no suele aparecer)
Diana Vishneva. Guest en el Tokio Ballet, 2004
Natalia Bessmertova. Bolshoi, 1990
Ulyana Lopatkina, 1994. Mariinsky
Y si al final no estais locos ya, se puede bucear en esos links y en la mayoria de los casos encontrareis los ballets completos
No habia escrito una reseña de Black Swan para este blog, aunque la verdad es que vi la película en diciembre ( versión pirata, porque queria asegurarme de si merecia la pena antes de abrir el monedero).
Estos dias se ha reavivado la polémica sobre Natalie Portman y una de sus dobles, Sarah Lane (no es la única, también está Kimberly Prosa), pero antes de dar mi punto de vista voy a poner un par de opiniones que me parecen muy acertadas:
Henrik Lamarck (bailarin noruego free lance) escribe en su blog http://www.tightsandtiaras.com/ (su blog tiene un estilo muy entretenido y desenfadado, lo recomiendo):
Black Swan es un buen thriller! No el mejor que he visto, definitivamente no me dejó sin respiración, pero es una buena pelicula! Portman está mejor que nunca, y realmente consigue capturar la «inocencia´´ ( aunque extremadamente exagerada, pero no es culpa suya ) que definitivamente encuentras en muchas bailarinas en el mundo.
Mi mayor pero a la pelicula es realmente el trasfondo de ballet. Ahora, no me digais el «oh, pero es bailarín, no puede ver la película objetivamente, tiene que comentar en lo poco que salen las piernas de Portman, o lo malo que es su port de bras o (añadir la frase que convenga) ´´. Cómo bailarín sé lo dura que es mi profesión, sé que no la puedes aprender en un par de meses. No necesito ver si Portman tiene mucho endeors, no me interesa. Si pudiera bailar ballet cómo la estrella que se supone que es en la película, estaría en Covent Garden. Y Matt Damon estaría haciendo alguna misión táctica para alguna agencia de inteligencia. Y no hablemos de Bruce Willis…
No, mi pero está en la manera en la que los bailarines de ballet son reflejados en la película. Otra vez (quizá por mi mal vocabulario?, después de todo, a nosotros los bailarines nos gusta más bailar que hablar, verdad?), tengo que usar la palabra sobre-exagerado. Las bailarinas no van por la calle con moño. a veces, incluso están pensando en otra cosa que el ballet, y aún tengo que conocer a una colega que haga fouettés en su apartamento por la noche.Si, algunos directores tienen un régimen estricto, y pueden esperar que sus bailarines no lleven calentadores en clase. Pero, todo el mundo quitandose ropa en cuanto entre a la sala? No lo creo. El acoso sexual puede aparece en cualquier lugar de trabajo, incluso en el ballet, pero no creo que halla muchos directores que se tiren a sus bailarinas entre bambalinas. Es demasiado dramático.
Mi argumento es, si fueras a representar a un abogado, no querrias usar TODAS las ideas que la gente tiene del abogado, con traje, maletín, que se acuesta con su asistente y tal. Tu público estaría aburrido, y decepcionado cuando no les enseñes algo que no esperaban. Porque la gente ya es familiar con los abogados. Ya han visto esa peli. Felicidades a Aronofsky por haber elegido un ambiente distinto a lo que normalmente vemos en la sección horror/thriller section del videoclub. Pero, ¿realmente tenía que usar todos esos prejuicios? Portman vomitando, su madre volviendose pirada, la preparación de las puntas, el personaje de Lily (aunque Mila Kunis hizo un buen trabajo, actúa realmente bien!)…. y podría seguir… Sólo estaba esperando que apareciera el compañero de trabajo super gay de Nina para terminar el catálogo. Cuando no lo hizo, normalmente diria “yay, genial Darren, apoyando a los bailarines masculinos´´. Pero despues de ver este desfile de prejuicios- que, si piensas en ello no es mas que mal estudio previo- no puedo evitar pensar que el gay hubiera estado alli si no hubiera sido un asunto delicada- y no quieres cosas delicadas si buscas a las masas…
Cómo una peli de horror, creo que Black Swan valió el precio de la entrada. No es una película que vería dos veces en el cine, pero está lo suficientemente bien, bien echa y buena para ver. Cómo bailarin de ballet, estoy decepcionado. Incluso diría insultado. Pero no lo haré, porque entonces sólo añadiría el último de los clichés- que los bailarines son gente sensible y artistas fáciles de insultar. Esa la podías haber metido, Darren, esa es bastante verdad!
Llendo al cine, la pregunta que no podía esperar para responder era, Cómo representará el ballet al público que no está familiarizado con nuestro mundo?. Creo que la gente puede salir del cine pensando «Wow, los bailarines de ballet están locos´´. ¿Pero estamos realmente tan locos cómo Nina? No, probablemente no, porque está bastante claro que Nina tiene graves problemas mentales. Pero estaría demasiado desencaminado pensar que el publico puede salir pensando que el mundo del ballet hace que nos volvamos obsesionados con la perfección hasta el punto del daño psicológico?
Contemos los clichés que aparecen en el film y separemoslos de la realidad que nos da Aronofsky.
Ensayos con el director que se vuelven calientes.
No, , los bailarines de ballet no tienen habitaciones rosas llenas de peluches en tutus. No, no nos dormimos con una caja de música que toca «El Lago de los cisnes´´ con una bailarina de cerámica que gira con la melodía. No, los tonos de nuestro teléfono no vienen de las partituras de ballets. No, nuestras madres no son locas que nos ayudan a coser las puntas. No, no tenemos estudios en nuestra casa donde practicamos piruetas por la noche. No, no odiamos al resto de bailarines, en realidad, solemos pasar la mayoria de nuestro tiempo libre juntos, disfrutando de nuestra compañia. No, cada bailarín no vomita despues de la comida!, de hecho, para muchos de nosotros, el mejor regalo tras un fin de semana de actuaciones es una buena hamburguesa con patatas. Y no, los ensayos con nuestro director no terminan en sesiones de preliminares.
Si, cuando los levantamos de la cama por la mañana cada parte de nuestro cuerpo hace crack. Si, tendemos a recibir atención desvergonzada de los hombres en los bares, porque les intriga que seamos bailarines de ballet. Si, nuestros fisios a menudo tiran de nuestros pies para que se realinien los huesos. Si, hay presion en el ballet, pero hay maneras sanas de soportarlo, que no aparecen en la pelicula. Sí, siempre hay alguien esperando por tu papel, pero no de una manera tan malvada.
En conclusion, creo que esta película ha dado al mundo del ballet mucha atención, pero es la adecuada? No lo creo. Aunque en general me gustó mi experiencia en el cine anoche, no pude evitar la carcajada en algunos momentos del principio, donde están muchos de los clichés. Creo que esta película muestra el ballet con una luz envenenada, y que cuando la gente piense en «El Lago de los cisnes´´, siempre pensaran en la película de Darren Aronofs en vez de la obra maestra que tras los siglos ha sido representada en teatros de todo el mundo. Y para mi eso es una pena.
Hay mucho que es absolutamente absurdo en el thriller de Darren Aronofsky. Presenta las minucias de la vida de los bailarines con la sensualidad de un voyeur, una mirada íntima a los estiramientos de pies mañaneros de una bailarina, crujidos y chasquidos todo el rato, que se repiten en la brutalidad de la preparación de las puntas. Cada grieta, destripamiento y excoriación se presenta en primer plano,con detalle casi pornográfico, y Aronofsky ofrece el simbolismo del martillo: el ballet como la violación de lo bello y rosado. Los personajes son extraídos de lo peor de la creencia popular sobre el ballet, y él se deleita en su horror: el vomitar, la bailarina obsesiva, el director artístico mujeriego, la sobreprotectora madre de la artistao. El diálogo es cursi, memorablemente («Yo soy la reina de los cisnes, y tu nunca dejastes el cuerpo de baile!» Zing!), Y más cursi, aunque fuga la coreografía , (de Benjamin Millepied del New York City Ballet , demostrando una vez más su talento para caer hacia arriba). Peor aún, para adaptarse a la cama de Procusto de su libreto, Aronofsky estupidifica el Lago de los Cisnes hasta niveles casi irreconocibles. Al parecer, el Cisne Blanco es el que requiere técnica, el Cisne Negro es todo acerca de la pasión. ¿En serio? Peor aún, no lo olvidemos por un instante todo lo Blanco vs. Negro , tengamos dificultades cromáticas cómo Sigfrido, convertirse, , Odette y Odile son los objetos de amor, cuyos nombres no se atreven a decirse: todo es Cisne Blanco/Cisne Negro todos el tiempo. ¿Y en qué planeta podría realmente una bailarina ganar el papel de la Reina Cisne mordiendo los labios de su jefe mientras este le roba un beso asombrosamente inapropiado?
Como una representación realista del mundo del ballet, Cisne Negro es un fracaso absoluto. Pero por supuesto que no es intención de Aronofsky. Su intención es que nos lleve en la montaña rusa emocional de un aspirante a bailarina y su descenso a la locura, y esto lo hace admirablemente. Para alimentar nuestro medio de transporte, exprime hasta la última gota de jugo emocional que puede salir de los clichés de ballet, cuanto más exagera, más salvaje es el paseo. Está usando el ballet para una emoción – como una fulana a la que no tiene intención de llamar después – y así me siento un poco sucia por haberme gustado el Cisne Negro. Pero me encanta. No es una película brillante, tal vez ni siquiera uno bueno, pero grande, a pesar de todo: un camino del exceso en el final del cual se encuentra, no necesariamente la sabiduría, pero, muy apropiadamente, la apoteosis. No se trata de ballet, excepto cuando lo es, y cuando lo es, es maravilloso.
Al principio de la película, Nina (Natalie Portman) es una cosa dulce, bailarina tímida y joven, que sólo quiere «ser perfecta», y vestida enteramente de blanco (los trajes, a menudo brillantes, son bastante pesados sobre el simbolismo monocromático ). Ella sueña con el prólogo del Lago de los Cisnes, en la que ella es la princesa sin nombre (en esta película) que es capturada y se convirtió de manera espectacular en un cisne por el malvado Von Rothbart . Cuando ella despierta, ella no está afectada, pero analítica, llamando a su madre para contarle como su prólogo soñado no era como la versión del Bolshoi. A pesar de su gracia y plumas, Nina es también una empollona sin remedio, y apenas nos sorprende saber que su tono de llamada del teléfono es de Odette, um, el tema de la Reina de los Cisnes.
Habla en voz baja mansa, de niña que debería haber recibido abusos habituales en su juventud, y todavía la gana el desprecio de sus compañeros de solistas en su gran compañía del ballet de Nueva York.
Cuando Thomas Leroy, el increiblemente libertino director artístico , aparece en la clase de la compañia, todas las mujeres de la compañía se quitan la ropa, quiero decir, rápidamente sacan de sus piernas, calentadores, camisas, etc Aunque hay muy buenas razones por las que un director puede prefieren ver a sus bailarines sin límites dentro de lo posible, es difícil no verlo como gallinas que se ofrecen al zorro de visita. Vincent Cassel interpreta a Thomas a la perfección , satisfecho de sí mismo, y anuncia, más para el público que los bailarines, que va a poner en una nueva » pelada» de la producción del Lago de los Cisnes.
Thomas sabe Nina tiene la técnica para bailar el Cisne Blanco, pero las dudas que tiene la pasión por el Cisne Negro, (? Eh) y esta confirma sus temores fallando los fouettes en su prueba. Finalmente, Nina va a la oficina de Thomas para pedir el papel. Entre las cosas artísticas que abarrotan la sala está el esqueleto de un cisne (cuando dijo simplificada, no estaba bromeando), y no es difícil imaginar a Thomas personalmente chupando la carne de sus huesos. Él regaña a Nina y los desafíos artísticos que ella afronta se resuelven de la mejor manera, al parecer, él sabe cómo, apresandola contra la parez con un beso baboso. Como se mencionó anteriormente, Nina lo muerde, sorprendiendo a los dos y ganar para sí misma el papel de la Reina Cisne.
Nina vive en casa con su madre, Erica, un monstruo pasivo-agresivo , interpretado por una verdaderamente aterradoraBarbara Hershey. Viven en lo que parece ser un amplio, apartamento ático del West Side, pero también lleno de baratijas y, en la habitación de Nina, hay tantos animales de peluche, que parece casi imposible respirar. A pesar del apoyo de Erica a su hija (y ella es sentimental en un grado desconcertante), también hace sabotajes.Ella compra a Nina una tarta de cumpleaños enorme, y cuando Nina le dice que no puede comerla (ya hemos visto vomitar Nina en un cuarto de baño, presumiblemente para permanecer delgada), Erica amenaza con tirar a la basura, cuando recorta las uñas de Nina le corta dolorosamente . Ella le dice a Nina que renunció a su propia carrera para criarla, y dispone de una sala escalofriante llena de pinturas y dibujos que ha hecho de su hija.
En el trabajo, Nina debe hacer frente a Lilly (Mila Kunis), una bailarina flor de , por supuesto, San Francisco. Ella es salvaje y sin inhibiciones, y llama la atención de Thomás (y probaby más) con su encantadora capacidad de bailar sin calentar, y ser la única chica en el estudio con el pelo suelto. Ella también tiene enormes alas de cisne negro tatuado en la espalda (y e tiene un trabajo?), Y es tan aficionado a vestir de negro como Nina es al color blanco. Mucho simbolismo? También le gusta quitarse las bragas en los baños de señoras y, creo, orinar en el lavabo, así que por supuesto que ella tiene potencial de Cisne Negro. Ella quiere ser amigo de Nina, presionarla fuera de su papel, o si es posible ser Nina.
En los ensayos, Nina Thomas la reprende por su falta de pasión, y en una memorable frase a su pareja, interpretada Millepied, le exige saber si él considera adecuada para, um, tener relaciones sexuales. (Al parecer esto no es una pregunta retórica, de lo que uno ve en los tabloides, pero eso es otra historia.) Después de una recepción de lujo en el que Tomás introduce Nina al mundo como su nueva Reina de los Cisnes, y anuncia el retiro de los bailarina principal empresa, Beth Macintyre (Winona Ryder), se lleva a Nina de nuevo a su apartamento y le pregunta si ha tenido relaciones sexuales. Ella, no muy convincente, dice que tuvo y Thomas, decidiendo que algunos trabajos están más allá de su salario, le da una tarea, «tocarse´´. Ella va a su casa y cumple obedientemente, sólo para ser frustrada en el último momento al ver a su madre, dormitando en un sillón al lado de su cama. Huy! (A la mañana siguiente, en la compañia se entera de que Beth se ha lanzado ante un coche y está hospitalizado con horribles heridas en las piernas, con el tiempo esto hace que Nina lamente haber robado cosas del vestuario de Beth.) Después de un rato llegué a estar un poco cansado de tanto Cisne Negro / Cisne Blanco, y deseé que Thomas iría por la vieja escuela soviética: Nina podía hacer el blanco, y Lilly el Negro (y, sin duda, Thomas se lo haría con las dos). Pero no hubo suerte.
Gran parte del resto de la película está dedicada a la cuestión de si ella tendrá o no n un orgasmo. Ella finalmente lo tiene, después de una noche libertinaje alimentado por extasís con Lilly, en su dormitorio. O no lo hacen? La vision de Lilly es muchode una ilusión como las plumas negro que Nina ve que brotan de su espalda, o sus uñas peladas . Aronofsky junta indignidad después de indignidad freaky sobre la desventurada Nina. La omnipotencia de Aronofsky es tan intrusiva que me encontré rezando para que le diera a la pobre muchacha un descanso. Como era de esperar, cuando finalmente lo hace, la hace pagar por ella. Cosas más locas continuarán sucediendo en el cuerpo de Nina (o en su mente, de todos modos), y, fortificada, tal vez, por su sueño-orgasmo inducido, que recibe la fuerza para luchar contra su madre cada vez más terrible , que se está convirtiendo en Joan Toumanova Crawford, con esa maravillosa frase «Yo soy la Reina de los Cisnes»
Mientras que la película avanza, Nina pasa de conjuntos en blanco a gris a negro, su ropa, en cualquier momento, es un barómetro de lo mucho que está perdiendo el control. Al final está casi totalmente de negro.
Más tarde en el teatro el día del estreno, Thomas le dice a Nina que va a utilizar a Lilly en su lugar. Ya no tímida, Nina se sienta en el espejo de su camerino y con calma chantajea a Thomas para que le devuelva el papel. Nina se da toques de base blanca en la cara, y con cada golpe de su carácter cambia, de nuevo de una niña se convierte en una Reina de los Cisnes ante nuestros ojos, pero esta vez se trata de una clara mejora, y una gran actuación de Portman.También es, para mí, cuando el Cisne Negro comienza a trascender de su ingenuidad. El Lago de los Cisnes es mucho más que una simple dicotomia de buena chica& chica mala, sino que también se trata de cautiverio y libertad.Aronofsky mete a Nina en un mundo en disminución. Su apartamento desordenado y grabado en opresivo plano media, es incluso en la pantalla grande, claustrofóbico, como es su pequeño camerino. Su vida «real» se ha vuelto una mierda: la relación con su madre, y los tratos con la promiscua Lilly y la lisiada y automutilable Beth, han sido desastrosos. Ella no tiene nada, salvo su arte, y cuando ella aparece con bourrées desde cajas a la inmensidad del escenario, se siente como si ella hubiera escapado, sin embargo, fugazmente, de la cárcel.
Después de un drama escalofriante en su camerino Nina, se convierte en una magníficamente vestido Cisne Negro, y se retira más en su arte y locura. Su color de ojos se vuelve rojo, y ella crece plumas con cada aleteo de sus brazos. El zumbido de las alas se superpone con la de Tchaikovsky, y el sonido de los jadeos Nina. Pistas salvajes de que aquí, en fin, Nina encontró su verdadero orgasmo, con todas las plumas germinando en e su éxtasis. No importa que la coreografía de Nina tiene sólo la más remota semejanza con la Petipa, o que difícilmente se puede ver lo que está bailando la mayor parte del tiempo. El trabajo de camara nos trae al escenario con Nina, y lo que hace Portman con la cara de Nina es mucho más interesante que lo que ella no hace con los pies de Nina.
Voy a dejar de describir el regreso de Nina en blanco, y al final de la película, en caso de que en realidad son los lectores que no han oído hablar por ahora. Es importante que tenga que terminar ordenadamente, una reverencia un poco humillante por tener Nina redundante diciendo lo que nos habia mostrado ya «Fue perfecto»
Sospecho que esto es toda la historia Aronofsky quería contar: bailarina loca se vuelve más loca ante nuestros ojos en una caída espeluznante a través de un sensacionalismo del infernal mundo del ballet , una parábola descendente que termina, al igual que su anterior película, El luchador, con un salto en un futuro muy incierto. Pero, tal vez a pesar de sí mismo, también logra una verdad más profunda acerca de ser un artista intérprete o ejecutante: la pobre Nina sólo esta verdaderamente viva cuando está en el escenario. Por supuesto esto es como mucho un cliché como cualquier otra cosa en la película. No voy a halagar el estilo Aronofsky diciendo que al abrazar clichés, los trasciende, porque no lo hace, pero a veces, nos deja encontrar la verdad en su corazón.
Cisne Negro no trata del ballet, excepto cuando lo hace. No se trata de la coreografía del ballet en sí, o de cualquier producción reconocible del Lago de los Cisnes. No hay mucho baile real, de todas formas. La coreografía de Benjamin Millepied es agresivamente aburrida, y es realizado de esa manera. La producción incompleta del Lago de los Cisnes en la que Nina se abre y se cierra en la misma noche sería absurda, si fuera lo que realmente importaba, pero no es así. Sólo tiene que representar la idea del Lago de los Cisnes – Un Meta Lago. Del mismo modo, no importa que el poco baile que se puede ver es superficial. Una vez más, es la idea lo que cuenta. En consecuencia, toda la película no es sobre el ballet per se, sino sobre el meta ballet: nuestras ideas de lo que es el ballet o, mejor dicho, las ideas de Aronofsky ideas.
Por lo tanto, cuando Portman baila en el escenario, no son los pasos de Nina los que son importantes, es lo que significan los pasos para Nina. En este sentido, la idea de que la iniciativa debería haber sido realizada con una bailarina «real» se convierte en absurda. La cámara nos lleva hasta la cara de Portman, como debe ser, yo sólo voy a decir que en muchos aspectos la interpretación de Portman es extraordinario. (En realidad, todas las actuaciones son, desde mi punto de vista, muy buenas. Y el vestuario, y trabajo de cámara. Pero se puede leer acerca de eso en cualquier lugar, sin embargo.)
En este sentido, el hecho de que los personajes principales son caricaturas no es tan sorprendente: son exagerados porque son arquetipos tanto como la gente.Cualquier director artístico de verdad que se comportaron como Thomas sería el blanco de interminables y bien merecidas denuncias de acosa, pero todos hemos oído hablar de directores artísticos mujeriegos. La madre de Nina hubiera pasado la mayor parte de su tiempo en observación psiquiátrica, pero todos hemos conocido probablemente infernalesMadres de la Artista. Como persona, Nina es una caricatura y esta destinada a convertirse en uno de los locos legenda del cine. Como artista, sin embargo, ella está en todas partes: el bailarín con una gran técnica, pero poca personalidad – todas las compañias tienen unos pocos. Es una deliciosa ironía, aunque sin duda no intencional, y que la doble de baile de Portman doble es una Nina en vida real : Sara Lane, solista del ABT que hace años hizo un debut sensacional en «Tema y variaciones´´ y no ha hecho gran cosa desde entonces. (Eso no quiere decir que fuera de escena Lane tiene nada en común con Nina fuera de escena Nina!) Me gustaría pensar que estos arquetipos no son tan comunes como lo eran antes, pero son sin duda están todavía alrededor.
Desde esta perspectiva un tanto más elevada, ya que, podría decirse, es una meditación sobre la idea de una compañía de ballet, Aronofsky sale algo mejor, pero todavía no es totalmente descolgado. Hay algo incómodamente misógino sobre las torturas que presenta a través de Nina, y él nunca deja muy claro de donde viene la autoridad final de Nina . Una noche en la ciudad con Lilly y, posiblemente, su primer orgasmo? El golpe en la cabeza de la noche antes del estreno? Una especie de ósmosis de Lilly? .
Pero, básicamente, ir a verla.
Las tres críticas representan básicamente mi opinión sobre la película. Demasiado cliché. Cómo dice Lamark, tan sólo faltaba por salir el mejor amigo gay ( que sí aparece en películas de danza cómo Center Stage, hiper topicada pero mejor bailada). Taub dice que lo que importa es la «meta idea´´, pero sin embargo lamenta la estupidificación (cierta) del Lago. ¿Pero, cuál es el valor del tópico?, cómo dice Larmark, nos interesa realmente que nos cuenten lo que ya sabemos??. El tópico de alguna manera reconforta y entretiene, pero sabemos que lo repetitivo cansa ( ¿Cuántas películas seguidas de Alfredo Landa se pueden aguantar?). Quizá el punto clave es que no hay muchas ocasiones que el ballet llegue al gran público.
Pero , ¿tenía que llegar de esa manera?. La frase con la termina Rebecca King, sobre cómo ahora la gente pensará en Black Swan antés que en el Lago de los Cisnes, no es esencialmente culpa de la película, aunque sea una desgracia. Aronofsky no podía contar con que su película fuera engullida por la cultura de masas.
El problema es tener que recurrir a tanto cliché. El hecho de haber enseñado a una bailarina con problemas mentales no nos hace salir de ahí. Los bailarines somos personas normales, con la posibilidad de hacer algo distinto, pero normales. Y Aronofsky sigue eligiendo a la protagonista tímida, con problemas alimentarios, sin experiencia en la vida y vestida de rosa.
Cómo en la película, y que también me hace gracia que mencione King, a la gente le resulta anormal que llevemos una vida anodinamente normal. Yo misma vivo ahora entre la vorágine de todo estudiante de intercambio en una ciudad extranjera. Y cuando conozco a gente en fiestas todavía les resulta sorprendente que sea bailarina de ballet (prefiero el término estudiante, pero el gran público no conoce la diferencia) , por que, ¿Cómo es que llevo un martini en vez de un tutu?. Los bailarines seguimos en dos categorias, los chicos son unas mariquitas débiles y las chicas unas frígidas infantiloides.
Y el caso es que la gente es esencialmente simpática , supongo que porque soy una chica y sigue socialmente aceptado, aunque no recomendable para una estudiante veintiañera (recien). La gente a menudo me pide que muestre algunos pasos, normalmente llevo tacones muy altos y los uso de excusa para ello (aunque muchos no comprenden la diferencia), en realidad por tímidez no me gusta ese momento de animal de circo. Una conquista de origen ruso (y apellido dancístico) me dijo en una fiesta que me movia mucho más libremente que las bailarinas de ballet. Siempre pienso que ahora el estilo en el que un chico y una chica joven han de «bailar´´ es básicamente preliminares con ropa, asi que, ohh ahh, sorpresa, los cisnes tienen sexo (aunque lejos estoy de considerarme cisne).
La nueva controversia (resumida aqui: http://www.starpulse.com/news/Kristyn_Burtt/2011/03/28/the_dance_community_reacts_to_the_blac) tiene que ver con una entrevista realizada por Sarah Lane para el Entertainment Weekly en la que decía que apenas el 5% de las tomas habian sido hechas por Portman, y que el estudio la obligó a un pacto de silencio pre oscar . A lo que Benjamin Millepied respondío diciendo que Portman hizo el 85%
Clip resumen de Dance Channel Tv.
Millepied dijó que Lane solo hizo el trabajo de pies, las diagonales y los foettés. El problema es que eso es TODO lo que hay en la película. Su coreografía tiene tan poca substancia que se reduce a eso. En resto, pues me creo que lo halla hecho Portman, porque, esencialmente, no hay mucho que hacer. Hay alguno raro cuando la vemos a ella y realmente es ella. Cuando Portman parece más bailarina es cuando no baila (que supongo que era el objetivo de su transformación física).
Me parece curioso que Millepied elija pelearse con Lane, cuando sus coreografías son representadas por el ABT (desconozco su por ella misma). Por muy creible que Portman sea, en un año no se convierte una en Sylvie Guillem, aunque sea en Hollywood.
Balletómanos 